Maria Gomez

La película “El olvido que seremos” es una obra colombiana dirigida por el español Fernando Trueba en 2020, basada en la novela homónima de Héctor Abad Faciolince. La cinta retrata la vida de Héctor Abad Gómez, un destacado médico y activista por los derechos humanos en el Medellín polarizado y violento de los años 70 y 80. La historia narra la vida del Dr. Héctor Abad Gómez, un padre de familia preocupado tanto por sus propios hijos como por los niños de las clases más desfavorecidas. Su hogar estaba impregnado de vitalidad y creatividad, resultado de una educación basada en la tolerancia y el amor. La película se ambienta durante la violencia que vivió Colombia en los años 80 y parte de los 90, época de los grandes capos de la droga y los grupos paramilitares que, con el respaldo de sectores políticos y militares, silenciaban a las personas críticas del establecimiento como defensores de derechos humanos, profesores universitarios y activistas. La tragedia golpea a la familia cuando un terrible cáncer se lleva la vida de una de sus queridas hijas. Impulsado por el dolor y la rabia, Héctor se entrega por completo a las causas sociales y políticas de su tiempo, pero la intolerante sociedad de Medellín lo acosará hasta finalmente silenciarlo.

En esencia, “El olvido que seremos” es una oda a un hombre bueno y a la huella que deja tanto en sus seres queridos como en la sociedad en la que habita. La película plantea preguntas fundamentales: “¿Por qué matar a un hombre bueno? ¿Quién puede matar a un ruiseñor que nos alegra con su canto?” La película establece un diálogo inteligente entre el pasado y el presente, lo privado y lo público, la razón y el corazón, la vida y la muerte. Retrata a un hombre que no solo estuvo a la altura de su tiempo, sino varios pasos por delante.Al final, la película nos recuerda que aunque queda “la herida en el sitio por el que pasan los recuerdos… más que una herida es ya una cicatriz”. El amor por la vida y el dolor más profundo inspiraron la novela que logró arrebatar al padre del olvido

Maria Gomez

La película cuenta la historia de Carlitos, un niño mexicano de 9 años que, tras la muerte de su abuela, emprende un peligroso viaje como inmigrante ilegal a Estados Unidos para reunirse con su madre Rosario, quien trabaja como empleada doméstica en Los Ángeles desde hace cuatro años. Durante su travesía, Carlitos conoce a Enrique, otro inmigrante indocumentado que inicialmente se muestra reacio a ayudarlo pero que eventualmente desarrolla un fuerte vínculo con el niño y arriesga su propio futuro para ayudarlo a encontrar a su madre.

La película nos enseña que “el amor no sabe de fronteras ni distancia, no mide el peligro y prevalece a través del tiempo”. Muestra el sacrificio, la perseverancia y la esperanza como motores que impulsan a superar las adversidades más difíciles.

A través de personajes creíbles y situaciones conmovedoras, la película humaniza la experiencia de los inmigrantes indocumentados, recordándonos que detrás de cada estadística hay historias reales de personas que buscan una vida mejor para sus seres queridos, afrontando enormes riesgos y separaciones dolorosas.

Esta obra nos invita a reflexionar sobre los vínculos familiares que trascienden las barreras físicas y las consecuencias humanas de las políticas migratorias, mostrando cómo incluso en las circunstancias más adversas, el amor maternal e infantil puede superar obstáculos aparentemente insuperables.

Maria Gomez

“Una mujer fantástica” es una aclamada película chilena dirigida por Sebastián Lelio que narra la historia de Marina Vidal, una joven mujer transgénero que trabaja como cantante y camarera en Santiago. Marina mantiene una relación con Orlando, un hombre 20 años mayor, con quien recientemente ha comenzado a vivir. La vida de Marina da un giro dramático cuando Orlando muere repentinamente de un aneurisma cerebral. En lugar de poder procesar su duelo, Marina debe enfrentar la hostilidad y discriminación de la familia de Orlando y las instituciones sociales. La familia de Orlando la ve con sospecha: el médico y una detective la investigan, la ex-esposa le prohíbe asistir al funeral, y el hijo la amenaza para expulsarla del departamento que compartía con Orlando. Para ellos, la identidad transgénero de Marina representa una aberración inaceptable. Lelio construye un relato que explora el choque entre el deseo individual y las normas sociales, donde la protagonista encuentra en la desobediencia el impulso para afirmarse. La película retrata dos caras de Chile: una progresista y otra profundamente conservadora.

El proyecto surgió cuando Lelio y el guionista Gonzalo Maza se preguntaron: “¿Qué pasa si alguien muere en tus brazos y tus brazos son los peores en los que esa persona podría morir?”. Daniela Vega, inicialmente consultora para el guion, terminó asumiendo el papel protagónico. Lejos del realismo social, la película combina géneros (drama, musical, thriller) con una estética sofisticada, colocando a un personaje marginado en el centro de una propuesta visualmente elaborada. Vega ofrece una interpretación poderosa como una heroína compleja y resiliente que mantiene su dignidad frente a múltiples humillaciones, utilizando además su propia voz de mezzo-soprano en las escenas musicales.

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“Lectura fácil” de Cristina Morales narra la historia de cuatro primas con diversidad funcional intelectual —Nati, Ángels, Marga y Patri— que comparten un piso tutelado en Barcelona. La novela, ganadora del Premio Nacional de Narrativa, utiliza diversos formatos narrativos (documentos administrativos, actas, diarios y testimonios) para explorar sus vidas y luchas por la autonomía. A través de un lenguaje crudo y directo, la obra aborda temas como la sexualidad, el activismo político y la resistencia contra las instituciones que las infantilizan. Morales construye una crítica mordaz al sistema tutelar, cuestionando las estructuras de poder que controlan a las personas con discapacidad y planteando una profunda reflexión sobre la libertad individual y los derechos civiles en una sociedad que margina la diferencia.

El título “Lectura fácil” hace referencia a un método real de adaptación de textos para personas con dificultades de comprensión, lo que constituye una ironía, ya que la novela presenta una estructura compleja y un contenido provocador. La narración alterna entre las voces de las protagonistas: Nati, la más rebelde y politizada, vinculada a grupos anarquistas; Ángels, quien documenta meticulosamente las asambleas del movimiento okupa; Marga, obsesionada con su libertad sexual y quien participa en un grupo de “Danza integrada”; y Patri, quien no se comunica verbalmente y está amenazada con ser internada en una institución.

La trama se desarrolla en el contexto del movimiento independentista catalán y las protestas sociales en Barcelona, lo que añade una capa política adicional a la historia. Un punto crucial en la novela es el proceso judicial al que se enfrenta Marga por mantener relaciones sexuales en un centro ocupacional, evidenciando cómo el sistema niega la sexualidad de las personas con discapacidad. Paralelamente, las protagonistas participan en ocupaciones, asambleas y actividades comunitarias que desafían el control institucional.

El estilo de Morales es deliberadamente transgresor, con un lenguaje explícito y sin concesiones que rompe tabúes sobre la discapacidad, la sexualidad femenina y la corrección política. La novela no busca inspirar compasión, sino cuestionar radicalmente los prejuicios sociales y las estructuras opresivas. “Lectura fácil” se convierte así en un potente alegato por la dignidad y la libertad de decisión de todos los individuos, independientemente de sus capacidades, y en una crítica feroz a la hipocresía de una sociedad que predica la inclusión mientras practica la exclusión.

Maria Gomez

“La teta asustada” (2009) es una película peruana dirigida por Claudia Llosa que explora las secuelas del conflicto armado interno en Perú. La protagonista, Fausta (Magaly Solier), sufre de “la teta asustada”, una enfermedad transmitida a través de la leche materna por mujeres que fueron violadas durante el periodo de violencia política. Esta condición la hace vivir con un miedo extremo, especialmente hacia los hombres. Tras la muerte de su madre, Perpetua, Fausta debe enfrentar su trauma para poder darle sepultura. Sin embargo, carece de los recursos económicos necesarios. Como medida de protección ante posibles violaciones, Fausta ha introducido una papa en su vagina, un remedio tradicional que le enseñó su madre. Para conseguir dinero para el entierro, Fausta comienza a trabajar como sirvienta en la casa de Aída, una pianista adinerada de Lima. Allí, Fausta canta melodías en quechua que captan la atención de Aída, quien le propone un trato: por cada canción que Fausta le enseñe, recibirá una perla. Sin embargo, Aída termina robando las melodías de Fausta para su propio beneficio artístico, sin darle el reconocimiento prometido. Paralelamente, su primo Noé se prepara para casarse, mostrando un contraste entre la celebración de la vida y el duelo de Fausta. A lo largo de la película, Fausta desarrolla una amistad con el jardinero de Aída, Noé (no confundir con su primo), quien la trata con respeto y delicadeza, ayudándola gradualmente a superar sus miedos. La enfermedad de Fausta empeora cuando la papa comienza a germinar dentro de ella, obligándola a buscar atención médica. Finalmente, tras un desmayo, le extraen la papa del cuerpo, simbolizando su liberación del trauma.

Hacia el final, Fausta encuentra la fuerza para llevar el cuerpo de su madre a su pueblo natal para enterrarlo, cerrando así un ciclo de dolor. La película concluye con Fausta aceptando una flor de papa del jardinero, un gesto que sugiere su apertura a nuevas posibilidades y su comienzo de sanación. Una de las escenas más significativas de la película ocurre cuando Fausta canta en quechua mientras limpia la casa de Aída. Sin saber que está siendo escuchada, Fausta expresa a través de sus canciones el dolor y el trauma heredados de su madre. Aída, impresionada por la belleza melancólica de las melodías, aparece repentinamente y le pide a Fausta que cante de nuevo.

En este momento, se establece una dinámica de poder entre ambas mujeres: Aída, representante de la élite cultural limeña, ve en las canciones de Fausta un material exótico que puede explotar artísticamente, mientras que Fausta, inicialmente reticente, accede a compartir su herencia cultural a cambio de las perlas que necesita para enterrar a su madre. Esta escena ilustra perfectamente las tensiones sociales, étnicas y de clase que la película explora, así como la apropiación cultural que sufren las comunidades indígenas peruanas.

Maria Gomez

“El secreto de sus ojos”, dirigida por Juan José Campanella, es un thriller dramático que entrelaza una historia de amor no consumado con una investigación criminal sin resolver.

Benjamín Espósito, un ex oficial judicial, decide escribir una novela basada en un caso que lo marcó profundamente: el brutal asesinato y violación de Liliana Coloto, una joven maestra. La historia se desarrolla en dos líneas temporales paralelas: 1974-1975, cuando ocurrió el crimen e inició la investigación, y 1999-2000, cuando Benjamín intenta cerrar este capítulo de su vida.

Durante la investigación original, Benjamín trabaja junto a Pablo Sandoval, su colega alcohólico pero brillante, y bajo la supervisión de Irene Menéndez Hastings, una jueza recién graduada de quien está secretamente enamorado. Identifican al asesino, Isidoro Gómez, pero complicaciones políticas y corrupción institucional permiten que éste evada la justicia cuando es reclutado como agente de inteligencia del gobierno.

Ricardo Morales, el viudo de Liliana, queda devastado por la injusticia. Benjamín, frustrado y amenazado por sus investigaciones, se exilia en el norte del país por varios años.

Al regresar a Buenos Aires décadas después, Benjamín descubre una verdad impactante: Morales había secuestrado a Gómez y lo mantuvo cautivo en total aislamiento durante más de veinte años, un castigo que consideró peor que la muerte.

En la escena más impactante del filme, Benjamín visita la casa rural de Morales y descubre la terrible verdad. Al escuchar un ruido en el patio trasero, sigue a Morales hasta un pequeño galpón aislado donde encuentra a Gómez, envejecido y demacrado, encerrado en una celda improvisada. Morales, con una calma perturbadora, revela que ha mantenido al asesino cautivo durante décadas, visitándolo diariamente solo para decirle “Hoy tampoco”, negándole cualquier esperanza de libertad. Esta escena revela el verdadero “secreto” que había permanecido oculto por años: la venganza meticulosa y brutal de un hombre consumido por el dolor.

-Maria Gomez

“El secreto de sus ojos”, dirigida por Juan José Campanella, entreteje magistralmente una historia de amor no correspondido con un thriller judicial. Benjamín Espósito, un oficial judicial retirado, decide escribir una novela sobre un caso que lo marcó profundamente: el brutal asesinato de Liliana Coloto ocurrido veinticinco años atrás. La narrativa oscila entre los años 70, cuando investiga el crimen junto a su colega alcohólico Pablo Sandoval y bajo la supervisión de Irene Menéndez Hastings —de quien está secretamente enamorado—, y el presente de los años 90. Durante la investigación, Benjamín desarrolla una profunda empatía por Ricardo Morales, el devastado viudo de la víctima. Tras intensos esfuerzos, identifican y capturan al asesino, Isidoro Gómez, pero debido a turbias conexiones políticas durante la dictadura argentina, éste es liberado e incorporado al aparato de seguridad estatal, obligando a Benjamín a exiliarse por su propia seguridad. La escena culminante ocurre décadas después, cuando Benjamín, siguiendo su obsesión por cerrar este capítulo de su vida, visita a Morales y descubre la impactante verdad: el viudo ha mantenido a Gómez como prisionero en un calabozo improvisado durante más de veinte años, administrando su propia versión de “cadena perpetua” al considerar que la muerte habría sido un castigo demasiado misericordioso. Esta revelación expone la profunda cicatriz emocional que dejó el crimen y cuestiona los límites entre justicia y venganza, mientras paralelamente Benjamín finalmente encuentra el valor para intentar consumar su amor por Irene, sugiriendo que, a diferencia de Morales, él puede dejar atrás el pasado.

Maria Gomez

La película sigue a Verónica (interpretada por María Onetto), una dentista de clase media-alta en una provincia del norte de Argentina. Un día, mientras conduce distraída por una carretera rural, siente que atropella algo. Mira brevemente hacia atrás y ve lo que parece ser un perro en el camino, pero no se detiene para comprobar.

A partir de este incidente, Verónica entra en un estado de confusión y desconexión. Comienza a sospechar que quizás no atropelló a un perro, sino a un niño, después de escuchar noticias sobre la desaparición de un joven en la zona. Este pensamiento la atormenta pero no lo comparte con nadie.

Durante los días siguientes, actúa de manera extraña y distante. Su familia y entorno social (todos pertenecientes a la clase privilegiada argentina) notan su comportamiento alterado, pero en lugar de abordar directamente el problema, comienzan a cerrar filas alrededor de ella. Cuando Verónica finalmente visita el hospital donde trabajaba, no encuentran registros de su presencia allí, y gradualmente sus familiares y amigos parecen borrar cualquier evidencia que pudiera vincularla con el posible accidente.

La película explora cómo la clase social de Verónica permite que la verdad sea ocultada y cómo ella, poco a poco, vuelve a integrarse en su vida normal, aunque internamente sigue atormentada por lo que pudo haber sucedido. Martel nunca revela explícitamente si Verónica realmente atropelló a alguien o las consecuencias exactas del incidente, dejando al espectador con una sensación de ambigüedad e incomodidad moral.

Lo que más me impresiona es cómo Martel construye una tensión psicológica asfixiante a través de elementos formales: encuadres desconcertantes, sonido ambiente inquietante y una fotografía que enfatiza la desconexión de Verónica. La cámara frecuentemente se centra en partes del cuerpo o captura a los personajes desde ángulos incómodos, reflejando el estado mental fragmentado de la protagonista.

La película es brillante en su exploración de la culpa, el privilegio de clase y los mecanismos de autoprotección social. Martel nunca moraliza explícitamente, sino que invita al espectador a ser testigo de cómo las estructuras sociales operan para proteger a sus miembros privilegiados. El silencio cómplice de la familia y entorno de Verónica resulta más perturbador que cualquier condena explícita.

Maria Gomez

La película sigue a Verónica (interpretada por María Onetto), una dentista de clase media-alta en una provincia del norte de Argentina. Un día, mientras conduce distraída por una carretera rural, siente que atropella algo. Mira brevemente hacia atrás y ve lo que parece ser un perro en el camino, pero no se detiene para comprobar. A partir de este incidente, Verónica entra en un estado de confusión y desconexión. Comienza a sospechar que quizás no atropelló a un perro, sino a un niño, después de escuchar noticias sobre la desaparición de un joven en la zona. Este pensamiento la atormenta pero no lo comparte con nadie. Durante los días siguientes, actúa de manera extraña y distante. Su familia y entorno social (todos pertenecientes a la clase privilegiada argentina) notan su comportamiento alterado, pero en lugar de abordar directamente el problema, comienzan a cerrar filas alrededor de ella. Cuando Verónica finalmente visita el hospital donde trabajaba, no encuentran registros de su presencia allí, y gradualmente sus familiares y amigos parecen borrar cualquier evidencia que pudiera vincularla con el posible accidente. La película explora cómo la clase social de Verónica permite que la verdad sea ocultada y cómo ella, poco a poco, vuelve a integrarse en su vida normal, aunque internamente sigue atormentada por lo que pudo haber sucedido. Martel nunca revela explícitamente si Verónica realmente atropelló a alguien o las consecuencias exactas del incidente, dejando al espectador con una sensación de ambigüedad e incomodidad moral. Lo que más me impresiona es cómo Martel construye una tensión psicológica asfixiante a través de elementos formales: encuadres desconcertantes, sonido ambiente inquietante y una fotografía que enfatiza la desconexión de Verónica. La cámara frecuentemente se centra en partes del cuerpo o captura a los personajes desde ángulos incómodos, reflejando el estado mental fragmentado de la protagonista. La película es brillante en su exploración de la culpa, el privilegio de clase y los mecanismos de autoprotección social. Martel nunca moraliza explícitamente, sino que invita al espectador a ser testigo de cómo las estructuras sociales operan para proteger a sus miembros privilegiados. El silencio cómplice de la familia y entorno de Verónica resulta más perturbador que cualquier condena explícita.

Maria Gomez

“Machuca” es una película chilena dirigida por Andrés Wood, estrenada en 2004. La historia se desarrolla en Chile durante el periodo turbulento previo al golpe de Estado de 1973 que derrocó al gobierno socialista de Salvador Allende.

La película sigue la vida de Gonzalo Infante, un niño de clase alta que asiste a un colegio privado de élite en Santiago. El director del colegio, el padre McEnroe, implementa un programa de integración social, trayendo a niños de los barrios marginales para estudiar junto a los más privilegiados. A través de este programa, Gonzalo conoce a Pedro Machuca, un niño de clase baja.

A pesar de sus diferencias socioeconómicas, Gonzalo y Pedro desarrollan una amistad. Gonzalo visita el barrio pobre donde vive Pedro y conoce a su familia, incluida Silvana, una adolescente por quien ambos sienten atracción. Mientras tanto, Gonzalo vive en un ambiente familiar problemático con una madre que tiene un amante y un padre ausente.

El contexto político se va tensando progresivamente. La película muestra las manifestaciones políticas tanto de la izquierda como de la derecha, el desabastecimiento y las colas para conseguir alimentos básicos, reflejando la polarización de la sociedad chilena de la época.

Uno de los momentos más impactantes y cruciales de la película es la escena final donde Gonzalo, desde el automóvil de su familia, observa cómo los militares maltratan a Pedro durante la intervención en su poblado, pero decide no hacer nada. Este momento representa perfectamente la cobardía moral que surge en tiempos de crisis y cómo las barreras de clase finalmente prevalecen sobre la amistad.

Esta escena es devastadora porque muestra cómo Gonzalo, que había atravesado temporalmente las barreras sociales, retrocede a la seguridad de su privilegio cuando las circunstancias se vuelven verdaderamente peligrosas. Su mirada, cargada de culpa pero resignada, simboliza la complicidad silenciosa de muchos chilenos de clase media y alta durante el golpe militar. Wood logra capturar en esta sola escena el fracaso de la integración social que el padre McEnroe había intentado fomentar y el triunfo de las divisiones de clase sobre los vínculos humanos que habían comenzado a formarse.